Hoy, miércoles 1 de diciembre, se estrena 'Despedida y cierre', el segundo capítulo de la segunda temporada de la serie de cortometrajes de terror Online Cementerio de Historias.
'Despedida y cierre' es una historia de suspense y misterio con un excelente reparto, encabezado por Luis Mottola (El Internado, Física o Química, Negocis de família) y Cayetana Cabezas (Becarios, Mi vida según yo, De belleza distraída). La dirección corre a cargo de Carlos de los Santos, autor también del guión.
Tras el preestreno del cortometraje la semana pasada en la I Muestra de cortometrajes FANTASTI'CS 2010, a partir de hoy ya puede verse en su versión para Cementerio de Historias. Aquí lo tenéis:
El pasado domingo tuvo lugar, en un bar del centro de Madrid, el preestreno del cortometraje Despedida y cierre. Éste formará parte de la segunda temporada de la serie de terror online Cementerio de Historias.
En la producción del corto contamos conuna espectacular cámara (la Canon EOS 5D Mark II), un excepcional equipo humano y un presupuesto de 2.500€. Todo ello convierte a Despedida y cierre en la pieza más ambiciosa de nuestra pequeña productora. Cabe resaltar la colaboración que nos brindó la Concejalía de Cultura del Excelentísimo Ayuntamiento de Castellón de la Plana.
El cortometraje es una historia de suspense y misterio con un excelente reparto, encabezado por Luis Mottola (El Internado, Física o Química, Negocis de família) y Cayetana Cabezas (Becarios, Mi vida según yo, De belleza distraída). La dirección corre a cargo de Carlos de los Santos, autor también del guión.
La primera gran noticia es la selección de Despedida y cierre para la I Muestra de cortometrajes FANTASTI'CS 2010, dentro de las primeras Jornadas de la Fantasía, Ciencia Ficción y Terror de la ciudad de Castellón. En dicha muestra compartiremos cartel con grandes cortos del género fantástico y de terror como Oval de Santiago Estruch, Juan con Miedo de Daniel Romero, Control de Mario Peñafiel y Carles Soteras, o Manual práctico del amigo imaginario de Ciro Altabás. Todos ellos seleccionados en los
Festivales y las Muestras más prestigiosas de todo el mundo: Sitges,
Shots, Notodofilmfest, Sants, Donosti, Fantcast...
Nuestro cortometraje podrá verse el miércoles 24 de noviembre a partir de las 19 horas. Podéis encontrar más información aquí.
- Título: Despedida y cierre
- Duración: 7’18”
- Formato: HD 1080p (1920x1080), 16:9, Color
- Cámara: Canon EOS 5D Mark II
- Lugar de rodaje: Pozuelo de Alarcón (Madrid)
- Fecha de producción: 10 octubre de 2010
- Escrito, producido y dirigido por Carlos de los Santos
- Sobre una idea original de Paula Balaguer y Carlos de los Santos
- Director de fotografía y operador de cámara: César Maderal
- Ayudante de dirección: David Giraldo
- Jefe de producción: Borja Fernández
- Auxiliar de producción: Sergio González
- Director de arte, vestuario y decorados: Alberto Romero
- Ayudante de arte, vestuario y decorados: Juan Salom
- Script: Bárbara Herrero
- Steady-Cam: Álvaro Bernaldo
- Ayudante de cámara: Ingrid Bolaño
- Eléctricos: Sara Merino, Sebastián Osinaga, Félix Rodríguez
- Técnico de sonido: Sergio Muñoz
- Microfonista: Juan Guerrero
- Maquillaje y peluquería: Laura García
- Montaje y postproducción: Carlos de los Santos
- Diseño de producción: Carlos de los Santos
- Producciones El Portal de la Sota
Título en España: Scott Pilgrim contra el mundo Director: Edgar Wright
Guión: Edgar Wright, Michael Bacall (Novelas gráficas: Bryan Lee O'Malley)
Fotografía: Bill Pope
Música: Nigel Godrich
Reparto: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Anna Kendrick, Bradon Routh, Mae Whitman, Jason Schwartzman
Género: Comedia, Acción
Fecha de estreno en España: 12 de noviembre de 2010
*Sinopsis:
Scott Pilgrim (Michael Cera) es un joven que conoce a la mujer de sus sueños, Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). Para conquistarla, deberá primero luchar y vencer a sus siete malvadas ex-parejas. Pero será complicado ya que tienen poderes especiales...
*Crítica:
Hay películas que brillan con luz propia y una de ellas, al menos en su primera media hora, es Scott Pilgrim contra el mundo. Plagada de gags en todos los formatos imaginables (visuales, auditivos, de montaje, de dirección, dialogados...), la acción va sobre ruedas a un ritmo imparable. Wright tira de su imaginación desbordante y se luce. El director ya había dado muestras de su talento en sus films anteriores, pero en esta ocasión no hay palabras para describirlo, hay que verlo.
Una vez presentados los personajes y metidos en materia comienza el surrealismo puro y duro. Lo que estaba siendo una comedia alternativa llena de ingeniosos diálogos y excelentes trucos de dirección y montaje, se convierte en un festival de efectos especiales y luchas, salpicados por algún gag solvente.
Hay que decir que las peleas tienen su puntillo, están bien coreografiadas, son variadas y bastante entretenidas. Pero como era de esperar, acaban cansando y hacen que el metraje se antoje excesivo (fantástica e hilarante la primera contra el árabe; larga y excesiva la del vegetariano; sobrante la de los gemelos músicos).
La amalgama de humor y acción funciona a medias, lo que hace que el conjunto se resienta ligeramente. Se echa en falta toda la frescura y brillantez que el film poseía en su arranque. La conclusión, aún siendo obvia, resulta satisfactoria. Cabe destacar también la labor de Michael Cera bordando su papel de protagonista entre cool y nerd (tan de moda en los últimos tiempos). También luce Mary Elizabeth Winstead, a pesar de sus peinados. Los secundarios están en general correctos, aunque alguno raye en el histrionismo.
En resumen Scott Pilgrim contra el mundo es una divertida y bastante original propuesta, con similitudes a Kick-Ass o a muchas de las comedias indie de los últimos años, pero con un director más brillante y talentoso. Con seguridad dará que hablar en el futuro... + Lo mejor: La primera media hora es brillante. La dirección es, en todo momento, sobresaliente. Fresca, bastante original, entretenida... - Lo peor:la ligera sensación de agotamiento en la recta final. 10 minutos menos le vendrían muy bien.
Calificación: 7/10
*El director: Tercer largometraje del joven (36 años) Edgar Wright. El británico se dio a conocer con la fenomenal serie de televisión de la BBC Spaced (1999-2001), la cual creó con el actor Simon Pegg. Ambos comenzaron una fructífera relación que continuaría con el guión de la divertidísima parodia Shaun of the Dead (2004; penosamente llamada en España Zombies Party). El gran éxito de la cinta de zombies les llevo a repetir experiencia en la fenomenal, inteligente y magníficamente británica Hot Fuzz (2007; más penosamente todavía llamada Arma fatal en España). Scott Pilgrim vs. the World es su primera película al otro lado del charco.
Título en España: La red social Director: David Fincher Guión: Aaron Sorkin (Novela: Ben Mezrich) Fotografía: Jeff Cronenweth Música: Atticus Ross, Trent Reznor Reparto: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Joseph Mazzello Género: Drama biográfico
*Crítica: El doblaje: uno de los mayores atropellos de la historia. Pues sí, lo han vuelto a hacer. El doblaje ha vuelto a cercenar una película, no sólo por una lamentable elección de voces, sino por la transformación (a peor) del mensaje final del film.
Fui a ver esta película como Dios (si es que existe) manda, en V.O.S. Y me pareció formidable, una de las mejores del lustro. Una trama rítmica, llena de vida, plena de chispa, ingenio e ironía, con unos actores soberbios y unos personajes inteligentes, complejos y perfectamente bien planteados. Con buena fotografía, excelente música, gran ambientación...
Pero mi sorpresa llegó 3 días después: veo de nuevo la película en su versión doblada y… ¿Qué coño es esto? ¿Por qué todos los personajes parecen lerdos sacados de una serie juvenil? ¿Por qué mi protagonista, tan interesante y genial en la V.O, parece un nerd descerebrado? ¿Por qué el gemelo que en la V.O muestra un enorme y muy respetable sentido del honor, parece un pijo estúpido en la versión doblada? ¿Por qué todos las chicas que salen parecen imbéciles? ¿Por qué odio a los personajes cuando en la versión original casi todos me caían bien y me parecían tan trabajados? ¿Por qué una película que trataba los temas con seriedad y adultez se ha convertido en una continua riña de niñatos frikis?
Puntuación de la versión original: 9 (peliculón, lo mejor del año y puede que del lustro) Puntuación de la versión doblada: 6 (película tontuna con personajes tontunos aunque con una narración original e interesante)
Y yo me pregunto: ¿Cómo es posible que hagan algo así? ¿Cómo es posible que traduzcan tan mal los textos? ¿Cómo es posible que elijan tan mal las voces? ¿Cómo es posible que no sean capaces de ver la diferencia de tono entre esta película y ‘Melrose Place’ o algo por el estilo? ¿Sólo porque en la historia salgan informáticos ya tienen que ser estúpidos con voces de estúpidos?¿No se dan cuenta de que están modificando el mensaje del autor de la obra? ¿Qué pensaría un pintor si sus cuadros, al llegar a otro país, fueran repasados por otra persona (que ni siquiera es un artista) cambiando la forma y el contenido del mismo? ¡Indignado me hallo! ¡Qué poca vergüenza!
Obviamente, mi recomendación es que hagáis lo que queráis. Pero lo que más me irrita es que aún haya gente que diga que en España doblamos muy bien… ¡¡¡JA!!! ¡Me parto! Sería en los 60’s. Saludos.
+ Lo mejor:Casi todo. El genial Jesse Eisenberg, al que ya vimos en dos de nuestras recomendaciones de 2009: Zombieland y Adventureland. - Lo peor: No sé... ¿Quizás el doblaje?
Calificación: 9/10
*El director: Poco hay que decir de David Fincher. Su filmografía habla por él. Debutó con la espídica y endeble Alien 3 (1992), pero se rehizo enseguida con una excelente trilogía: la maravillosa Se7en (1995), la entretenida The Game (1997), y la potente y caústica El club de la lucha (1999). La interesante pero narrativamente espesa Zodiac en 2007, y la notable superproducción El curioso caso de Benjamin Button en 2008 han sido sus últimas películas.
Aunque este blog versa sobre cine, una noticia musical nos ha llamado la atención: según la prestigiosa revista SPIN, Achtung Baby (1991) de U2 es el mejor álbum de los últimos 25 años. Y estamos completamente de acuerdo. Achtung Baby es una joya maravillosa e indeleble que será recordada por siempre.
Todas sus canciones tienen algo brillante, ya sea el sonido complejo y rompedor de Zoo Station, la tremenda sensualidad de Even Better Than the Real Thing, la elegancia y magnificencia de One, el despampanante riff de Until the End of the World, la áspera melodía y la perfecta letra de Who’s Gonna Ride Your Wild Horses, el lirismo y la profundidad de So Cruel, la potencia y la violencia de la guitarra de The Fly, el misticismo de Mysterious Ways, la bella simplicidad de Tryin to Throw Your Arms Around the World, el inmejorable delay de Ultra Violet (Light My Way), la perfección rítmica de Acrobat, o la increíble musicalidad y la perfección sónica de Love Is Blindness.
Estamos ante una verdadera Obra Maestra que cumple 19 años (fue publicado el 19 de Noviembre de 1991)y que sigue siendo moderna e innovadora. Un disco que significó la reinvención de U2 tras una década prodigiosa llena de éxito, tanto comercial como de crítica. El reto de superar el magnífico The Joshua Tree (1987), con temas tan enormes como Where the Streets Have No Name, With or Without You, o I Still Haven't Found What I'm Looking For, suponía una enorme losa para el grupo irlandés y a punto estuvo de significar la desintegración de la banda. Por suerte, en Berlín se obró el milagro y a través del riff de One, Bono y compañía completaron esta obra de arte. 12 temas imprescindibles en lo que puede ser el disco más compacto, homogéneo y cerrado de la historia de la música rock.
El álbum fue un éxito comercial y hasta la fecha ha superado los 18 millones de copias, consiguiendo 8 discos de platino en USA, 5 en Australia y 4 en U.K. Además este disco dio lugar a una de las más excepcionales giras musicales vistas hasta el momento, el colosal ZooTV Tour (157 actuaciones entre febrero de 1992 y diciembre de 1993), que a su vez fue el origen del siguiente álbum de la banda, el también maravilloso y creativo Zooropa (1993).
*La anécdota: se barajaron varios nombres para el álbum, como Man, en oposición al primer disco de la banda (Boy), o Adam, por el bajista del grupo (Adam Clayton) el cual se fotografió desnudo para la portada. Finalmente se decidieron por Achtung Baby por varios motivos: era un nombre que llamaba la atención, hacía referencia a Alemania (el disco se grabó en Berlín) e insinuaba lo que podía ser un romance o un nacimiento, ambas cosas en las mentes de los integrantes del grupo por esa época.
A continuación, uno de los tres videoclips de la universal One, dirigido por Anton Corbijn.
Título en España: La carretera
Director: John Hillcoat
Guión: Joe Penhall (Novela: Cormac McCarthy)
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Música: Nick Cave
Reparto: Viggo Mortensen, Kodi Smith-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce
Género: Ciencia-ficción, drama
Fecha de estreno en España: 5 de febrero de 2010
*Sinopsis: En un futuro quizá no lejano, en un sombrío mundo post-apocalíptico, un padre (Viggo Mortensen) trata de poner en lugar seguro a su hijo viajando hacia la costa para buscar un lugar seguro donde asentarse. Durante su travesía se cruzarán con los pocos seres humanos que quedan, los cuales o bien se han vuelto locos, o se han convertido en caníbales...
*Crítica: En esta ocasión, en lugar de nuestras habitual crítica, hemos preferido recolectar los extractos más notables de las excelentes revisiones del film que ya existen (Gracias a sus autores). Aquí van:
* John Hillcoat, un enamorado de la literatura de McCarthy, ha realizado una notable adaptación cinematográfica de La carreteradesde un reverencial respeto al texto literario e intentando captar en imágenes la atmósfera y sensaciones de la novela. Ha sabido desarrollar la historia con una estética lúgubre y angustiosa que trasmite el sufrimiento de sus personajes.
Los protagonistas, interpretados por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, hacen gala de una enorme complicidad y realizan una actuación sobresaliente, tanto por su credibilidad como por la emotiva historia que trasmiten (...) La fotografía, a cargo de Javier Aguirresarobe, recrea un entorno perpetuamente grisáceo que trasmite desesperación y muerte por igual. (Extracto de la crítica de AndyHug en FilmAffinity).
* (...) La relación entre ambos protagonistas, que podría haber resultado liviana, se erige como verdadero eje del film en el que sorprende la crudeza y veracidad que impregna la pantalla, no sólo por la interpretación de Mortensen, sino por el propio personaje, enormemente trazado, que logra hacer que el espectador llegue a observarlo sin plantearse sus actuaciones y, además, quedando impregnado por las que parecen ser sus sensaciones. Las de un tipo que no confía en nada ni en nadie, sólo en si mismo, y que no dudaría un momento en introducir una bala en la sien de cualquiera que hiciese un gesto brusco cerca de él o de su hijo.
Con un tempo adecuado, que nos lleva por ese mundo post-apocalíptico sin prisa pero sin pausa, y una atmósfera que acompaña esos compases de manera excelente, Hillcoat va desmenuzando una historia a la que personajes como el de Robert Duvall realizan grandes y ricas aportaciones con contados diálogos (...) Lejos de encontrar momentos forzados o excesos que podrían alejar la obra de su tono, lo único que hallamos es un protagonista al que parecen superar las consecuencias del mundo que habita en ese mismo instante. Y es que, cuando las consecuencias rebasan al ser humano, las emociones le traicionan, y ni la sola mirada del hijo propio podría paliarlo. (Extracto de la crítica de Grandine en FilmAffinity).
* (...) Ponen cara a estas distintas facetas del espíritu humano un elenco de actores sobradamente conocidos (algunos más reconocibles que otros), todos ellos fantásticos. Al descubrimiento de Kodi Smit-McPhee se suma el mejor trabajo hasta la fecha de Viggo Mortensen. Conmueve e irradia veracidad la encarnación del Padre, último hombre bueno sobre la faz de la Tierra, que hará todo lo que sea necesario para proteger la pureza y la bondad del Hijo, ya sea por amor, por deber, o por esperanza.
Esta motivación, al igual que muchos otros aspectos, no acaba de quedar del todo clara, pero precisamente esto es lo que hacen los grandes escritores: dejar espacio al lector para que en una sola historia quepan diferentes interpretaciones. La adaptación de John Hillcoat, como gran película que es, también deja este huequecito sagrado para que el espectador extraiga sus propias conclusiones. He aquí pues una cinta que ha entendido y ha respetado el excelente material en el que se basa. He aquí una historia que remueve las entrañas; un clásico instantáneo del género... una película con mucho “fuego”. (Extracto de la crítica de Reporter en FilmAffinity).
+ Lo mejor:Viggo Mortensen y Kodi Smith-McPhee, deslumbrantes. La excelente fotografía del español Javier Aguirresarobe. La perfecta recreación del mundo apocalíptico de la novela. La secuencia climática final es soberbia. - Lo peor: la banda sonora no es brillante. El desenlace parece algo forzado.
Calificación: 7.5/10
*El director: John Hillcoat dispone de su primera gran oportunidad en Hollywood con esta cinta. Su primera obra conocida, La propuesta, es un aceptable western australiano protagonizado por Guy Pearce, que se inspira en la novela Meridiano de sangre también de Cormac McCarthy.
Título en España: Up in the Air
Director: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman, Sheldon Turner (Novela: Walter Kirn)
Fotografía: Eric Steelberg
Música: Rolfe Kent
Reparto: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Tamala Jones, J.K. Simmons, Danny McBride
Género: Comedia, drama
Fecha de estreno en España: 22 de enero de 2010
*Sinopsis:
Ryan Bingham (George Clooney) es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.
*Crítica:
La esperada Up in the Air, principal candidata a ganar todos los premios del cine de 2009 junto a la millonaria Avatar y a la potente e interesante The Hurt Locker, es una comedia con tintes dramáticos bastante más profundos y reflexivos de lo que pueden parecer.
Su protagonista, Ryan Bingham (personaje encarnado por un estupendo George Clooney), es un oasis entre tanta homogeneidadHollywoodiense. Alejado de todos los tópicos, Ryan es un hombre que vive de un modo incomprensible para muchos. A sus cuarenta años no posee una casa particular, ni tiene una esposa y unos hijos que le esperen, ni tampoco unos amigos con los que pasar el tiempo libre. Su vida se basa en su trabajo, volar por todos los rincones de los Estados Unidos para despedir empleados de la empresa que le contrate. Puede parecer una existencia plena de infelicidad, pero no lo es para Ryan.
Él tiene su propia filosofía: la vida es una maleta y todo aquello que posees va llenándola. Los objetos y, sobre todo, las personas (que son el trasto más pesado que existe) la cargan impidiendo nuestro movimiento y anclándonos de manera irremediable. Para él es preferible tener una maleta vacía que permita nuestra total libertad.
Como es lógico, a lo largo del film el personaje irá sufriendo experiencias que hagan tambalear sus creencias. Pero al contrario de lo que puede parecer, Ryan es una persona realmente compleja: es un hombre solitario, pero también demuestra ser muy sociable. Es un tipo egoísta, pero a su vez muestra grandes dosis de sensibilidad. Parece rechazar todo tipo de conexiones humanas, pero es capaz de abrirse a los demás en varias ocasiones. Un personaje complejo, interesante y cabalmente escrito que, al igual que cualquier otro mortal, está lleno de contradicciones, fobias, defectos y virtudes. El film esconde reflexiones muy acertadas tras su fachada de comedia ligera ya que, entre gag y gag, trata temas como la crisis económica, la deshumanización de las relaciones profesionales por el exacerbado uso de la tecnología, el desapego vital que pueden generan cierto tipo de trabajos, la precariedad laboral a la que están sometidas la mayoría de los trabajadores y su total dependencia económica… y por supuesto, el tema central del argumento: ¿Es posible ser feliz en soledad? ¿Vale la pena renunciar a parte de nuestra libertad por no estar solo?
La película denota su tono tragicómico ya desde el primer plano: una sucesión de todo tipo de reacciones de empleados que han sido despedidos. Con una estupenda secuencia de montaje entendemos la monotonía diaria de nuestro protagonista. Todas sus acciones están calculadas y son precisas, pero ¿tienen pasión? El primer acto es entretenido y plantea muchas de las cuestiones antes comentadas.
Como suele suceder, el segundo acto se hace demasiado largo y en ciertos momentos aparece la sensación de estancamiento narrativo. Algunos buenos diálogos, y la química que desprenden en todas sus secuencias románticas la pareja protagonista, salvan en gran medida esa sensación. Destacar el papel de Vera Farmiga, que en sus pocas escenas desarrolla su personaje de manera formidable.
En resumen, Up in the Air es una buena película basada en un personaje carismático, bien escrito y bien interpretado, pero que no acaba de brillar todo lo esperado quizás por su conclusión algo retórica y por su frío (anti)climax final. No obstante es una obra muy por encima de la media como ya lo fue Gracias por fumar (2006), la ópera prima de este prometedor director. + Lo mejor: El guión es inteligente y sutil. George Clooney y Vera Farmiga están excelentes. - Lo peor: la comedia es tan contenida que puede dejar frío a más de uno. El clímax es atinado pero algo previsible. El desenlace final podría mejorarse.
Calificación: 7.5/10
*El director:Jason Reitman debutó con la brillante y ácida Gracias por fumar en 2006, y con ella demostró su facilidad para escribir diálogos geniales y para rodar de manera correcta y eficaz. Un año después dio el pelotazo con la sobrevalorada Juno, una comedia indie que estuvo nominada a cuatro estatuillas incluyendo mejor película y mejor director. Up in the Air es el tercer largometraje del hijo del también director Ivan Reitman (Cazafantasmas, Junior, Poli de guardería, Seis días y siete noches...). Si Up in the Air consiguiera el Oscar a mejor película se produciría una curiosa imagen: padre e hijo recogerían juntos el galardón como co-productores.
Título es España: The Lovely Bones
Director: Peter Jackson
Guión: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens (Novela: Alice Sebold)
Fotografía: Andrew Lesnie
Música: Brian Eno
Reparto: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci, Susan Sarandon
Género: Drama, intriga
Fecha de estreno en España: 26 de febrero de 2010
*Sinopsis:
Basada en la novela Desde mi cielo de Alice Sebold, el film trata sobre una niña de 14 años llamada Susie Salmon, que es violada y asesinada, y que ve desde el cielo cómo la vida de su familia y amigos cambia tras el terrible suceso.
*Crítica:
The Lovely Bones, la última película del todopoderoso Peter Jackson, arranca haciendo suyo aquello del ‘menos es más’, y en las primeras seis secuencias (en apenas cinco minutos) nos muestra de forma ejemplar a la familia protagonista, haciendo especial hincapié en la joven Susie.
Repentinamente, en la séptima secuencia, la voz en off de la propia Susie nos revela que ha sido asesinada y abre, en clara complicidad con el espectador, el ‘juego’ de la búsqueda del culpable. Ese juego es abruptamente cercenado poco después en la excelente secuencia del crimen, donde el director neozelandés se luce con una magnífica planificación, jugando sabiamente con la altura de cámara y usando a la perfección el gran angular; con un inteligente montaje en paralelo de la trivial y cálida cena familiar, generando un lúgubre contraste ya que el espectador sabe cómo acabará todo; y con una estupenda dirección de actores, destacando un soberbio Stanley Tucci.
Poco después, en una intrascendente secuencia de más de cuatro minutos y cien mil efectos especiales, la película comienza a mostrar sus puntos negros. Susie ha ido a parar a una especie de purgatorio lleno de colores y escenarios hechos por ordenador. Todo cuanto ocurre en dicho lugar es aburrido, superfluo y, lo peor de todo, insoportable.
Desde aquí la cinta sufre un bache que se hace eterno (no en vano dura más de 30 minutos) en el que más que lagunas narrativas nos encontramos con todos los Grandes Lagos uno tras otro. Para rematarlo, el patético y tópico personaje encarnado por Susan Sarandon pasa a la acción y llena varios minutos del metraje con una de las secuencias más tristes que recuerdo en mucho tiempo. Me pregunto a quién le debía un favor la buena de Susan para aceptar este papel.
Tras un segundo acto lamentable, la reaparición de Stanley Tucci parece reavivar la trama pero, ni el embotado rostro de Mark Wahlberg, ni la supuesta intriga policial (muy mal narrada por Jackson) lo consiguen. Sólo la inquietante secuencia en la que la hermana de Susie busca pruebas del asesino vale la pena. En dicha secuencia, Jackson usa a la perfección el escenario, el tiempo y las acciones. Tucci vuelve a estar enorme y expresa más con una mirada que Wahlberg en todo el film.
En la supuesta secuencia climática final se roza el ridículo, confundiendo el romanticismo con la estupidez. Para más inri, se pretende dar relevancia a dos personajes secundarios totalmente desdibujados que son meros pegotes funcionales.
En resumen, The Lovely Bones es una irregular y fallida película, con un primer acto muy interesante, y un gran vacío posterior. Todos los efectos especiales que inundan el segundo acto son inútiles y lastran el desarrollo de un guión espeso y mal construido. A pesar de eso, el trabajo tras la cámara de Peter Jackson es muy notable y deja varias perlas, en especial en las dos secuencias antes mencionadas, y en algún que otro guiño al espectador.
+ Lo mejor: Stanley Tucci está sobresaliente. La secuencia del asesinato de Susie. - Lo peor: El guión es farragoso y está lleno de nada. El personaje de Susan Sarandon. Muchos de los secundarios están mal construidos. El final es lamentable.
Calificación: 4.5/10
*El director: éste es el décimo film dirigido por Peter Jackson. Tras sus inicios en el terror y el gore (Bad Taste, Braindead), el neozelandés cambió de registro con la intimista Criaturas celestiales (1994). La divertida pero menor Agárrame esos fantasmas (1996) fue el preludio a la archiconocida (y sobrevalorada) trilogía de El Señor de los anillos (2001-2003). En 2005 realizó el pésimo e irrisorio remake de King Kong.
Hoy, miércoles 1 de diciembre, se estrena 'Despedida y cierre', el segundo capítulo de la segunda temporada de la serie de cortometrajes de terror Online Cementerio de Historias.
Podéis ver la primera temporada al completo y el primer capítulo de la nueva aquí: http://www.cementeriodehistorias.com/
